Persistence has always been a key to an artist’s success in making a living.
For René Gagnon, coming into Montréal from the country with his paintings in the 1950s, it took the form of sleeping on park benches and making cold calls to doctors’ and lawyers’ offices.
Persistence is still vital, along with hard work, networking and having a sociable personality, all of which Gagnon employed in maintaining a painting career spanning more than 60 years.
But today, there is help for artists trying to live off their art. It’s called YES Montreal, with the YES standing for Youth Employment Services, although most of the non-profit agency’s services, including those aimed at artists, are for people of all ages.
Yes Montreal is holding a conference – Business Skills for Creative Souls – on March 20 in Old Montreal, with Nadia Myre, winner of the Sobey Art Award in 2014, as keynote speaker.
« Mastering the business of art is no easy feat, even where talent and creative vision abound », according to the conference program. « That’s why artists must develop entrepreneurial skills, a dynamic promotional presence, strong professional networks and a cohesive action plan. »
« This conference will help you develop the business skills you need to succeed, » the program promises.
Claire Desjardins, who now sells her art through galleries in Montreal and Toronto, her own website, the Saatchi online gallery (saatchiart.com) and Anthropologie stores, went to YES Montreal after she was laid off from her job as a graphic artist in 2011.
She attended workshops and started meeting a coach every week or two.
« I’d tell him what I was doing, he would give me advice as I was talking – « Have you thought of this ? » Desjardins said in an interview. « YES kept me focused. I had to be prepared. »
Her first sale to a tranger came through Facebook.
« A guy saw my work and bought it , » Desjardins said. « Then he invented me to hang the painting during a dinner party in his Old Montreal condo. One of the guests purchased several works. » That’s how it works, she added. « You need people to talk about your work. You must update your blogs and social media sites on a regular basis. »
People talked about Gagnon’s work too, in the region along the Saguenay River between Lac St-Jean and the St- Lawrence River where he was born near Chicoutimi in 1928 and has spent much of his life. He grew up on a farm, but his uncle was an art dealer and he met René Richard, Stanley Gosgrove, Jean-Paul Lemieux and even the elderly Marc-Aurèle de Foy Suzor-Côté as a child.
Gagnon’s first sales were to the village priest and the local doctor.
Cosgrove, though almost 20 years older, was like a brother, Gagnon said in an interview. There is a photo in De rêve et de paysages, Gagnon’s self-published book, of himself, Cosgrove and Jean-Paul Riopelle on a fishing trip in the Saguenay in 1974.
Gagnon uses a palette knife to paint, in oil on Masonite, the sharply delineated landscapes and fjords of te Saguenay. He owns a 700-acre property with 15 kilometres of trails and a house and museum he designed and built himself.
Woodworking and mechanics were part of farm life, and so were animals.
« I shared emotions with the animals, » he said. « Living with animals makes you very human. »
Gagnon’s first exhibitions was in 1958 in Arvida, near his home. He came to Montreal, slept on park benches until he could afford an empty apartment with a phone on St-Joseph Blvd. He stole a phone book and made his calls.
« I am René Gagnon and I have paintings to sell, » he said he told prospective clients.
He sold a few paintings at $30, he said, and got an exhibition at the Walter Klinkhoff gallery in 1959.
In 1964, he went to New York to try his luck. He met a Brazilian countess who opened doors to New York galleries, where he had shows in 1967 and 1968, which led to a commission to paint four murals for a restaurant in Place Ville-Marie.
But Gagnon left New York in debt and penniless, he said. « When I returned a few years later, all my paintings had been seized. »
Gagnon tried everything. During Hydro-Québec’s construction of Manic-5 (now the Daniel-Johnson Dam) in the 1960’s he hung paintings in trees near the airport runway to entice arriving engineers. He sold two.
Claire-Hélène Hovington, who has organized exhibitions and promoted his work since he hired her in 1970, was a factor in Gagnon’s eventual success. The couple married in 2002, after many years of reflecting on the possibility, as Gagnon writes in his book.
Gagnon had nine exhibitions in France between 1977 and 1990, an exhibition toured through Asia in 1995-96 and one in Morocco in 1997. The tours led to being invited to paint in Malaysia and Morocco, and he spent several months in each country. His work is in many collections, including those of Power Corp., Air Canada, Jarislowsky-Fraser and Co., Quebecor and the Musée d’art contemporain.
Gagnon’s winter scenes, in which the subtle use of colour brings out the forms created by the play of knife-edges and textures, best demonstrate his mastery at evoking the north he loves.
« I’ve never been rich, » he said in explanation of his approach to life, « but I always act like I’m on top of the world. »
Joy is also a hallmark of Desjardins’s abstract canvases full of bright and airy colours that she paints in acrylic.
« As artists, we like to enhance life, » Desjardins said.
« I like to make things that are beautiful. »
So it hurt when two artists had a conversation « about how bad my art was » on Saatchiart.com.
« A lot of what motivates me is the fear that the success I’ve enjoyed will go away. » she said. « I work hard and I feel that my work has some intrinsic value. »
Business Skills for Creative Souls : YES Montreal artists’ conference takes place March 20 at Théâtre St-James, 265 St-Jacques St. W. For more information about the conference and YES Montreal’s workshops for artists, go to yesmontreal.ca.
For information about the artists, go to renegagnon.com and clairedesjardins.com.
John Pohl
© John Pohl – The Gazette 2015
]]>Facing me, the man stands straight as an oak tree. His hands are huge. His hair is shaggy, much as Albert Einstein’s. His deep intense eyes reflect the greatest joys as well as the torments of human experience. René Gagnon has been dealing with the hazards of life for all of his 86 years, including 67 years with the demons of creation.
Over the restaurant table, he is showing me the pictures that are included in his book. Here, on a fishing trip with Riopelle, Paul Rebeyrolle and Stanley Cosgrove; another, with Alfred Pellan, taken during an exhibition in Paris. Being cognizant of René Gagnon’s creation is, to me, one of life’s blessings. Could it be one of the best kept secret of Québec art history?
Marc-Aurèle Fortin, Rousseau, Ayotte and others
While brought about by an extraordinary set of circumstances, René Gagnon’s artistic path unfolded straightforwardly. Destined, without much conviction, to take over the family farm in the village of Sainte-Anne de Chicoutimi, his uncle, influential visual art agent René Bergeron, invites the artists he represents to paint the grandiose Saguenay and Côte-Nord regions. Hence, René Gagnon has the incredible opportunity of making the acquaintance of renowned painters Marc-Aurèle Fortin, Cosgrove, Albert Rousseau, René Richard, Rodolphe Duguay and Léo Ayotte in Anse-à-Benjamin near his own village.
“I loved watching them capture the light, often from the same landscape but very differently, each creating highly personal atmospheres. Later, at dinnertime, they auto criticized their work. Discussions about Borduas’ abstract avant-garde and Pellan’s surrealistic figuration also abounded. Me, I made myself very small and listened. Marc-Aurèle Fortin was my favourite. The enchantment in the tree foliage, the luminous harmonies that the grey and black painted supports provided; I loved the freedom with which he transformed elements of the landscape to heighten their expressiveness.”
Painting the countryside
“I love this country; it fills me up and the overflow becomes my painting, my artistic expression.”
As his father still believed his son would take the helm of the farm, René Gagnon paints at night. Then, no longer able to ignore the evidence, his father resigns himself and gifts him with a box of paint. Not only is the artist finally able to paint enthusiastically, but his love life also flourishes. He gets married and soon enough becomes the father of five children. To cater to his family’s needs, he works at Alcan, a major company in Chicoutimi that produces aluminium, but his desire to paint full time remains constant. Leaving the family clan, he endeavours to find buyers and collectors across Québec. “Then, I left for a New York adventure, where gallery owners propelled me into a world of art and celebrities. I could have had a career and find fortune there, but I came back to Québec for my children, where I led a five stars life without a penny in my pocket.”
Then, a new adventure unfolded with a Montréal gallery, followed by travels around the world. In fact, Gagnon can boast of having widely conveyed the immensity of our open spaces and the indescribable beauty of our Québécois landscapes through exhibitions presented in the United States, France, the Bahamas, Morocco, the Philippines, China, Taiwan and Malaysia, which have all garnered uncommon success.
His art and return to Anse-de-Roche
Here is an artistic creation that stems from incessant research favouring the establishment of a community of spirit amongst painters that enthusiastically embrace gestural and lyrical abstraction. We must add, however, that underlying Gagnon’s instinctive application of colours with painting knife, is felt the presence of an organizing principle that binds masses and projections, sky and earth. While he resorts to the use of a silk paintbrush to heighten the happy effects of glazes, viewing his paintings, a constantly evolving world comes to mind, where cascades of water trace the earth, the cold and the light with luminescent grooves as perceived by an exceptional visionary artist. Living life as it unfolds, after a lengthy illness; René Gagnon has returned to his Anse-de-Roche estate and is considering a number of forthcoming projects, including a painting of monumental dimensions. The artist and his wife, Claire-Hélène Hovington, will be more than happy to greet you, by invitation only, at the René Gagnon Museum: info@renegagnon.com.
Of dream and landscapes
The biography of the painter, entitled “De rêve et de paysages”, is now available. The 200 pages exceptional volume generously includes 48 photographs of the painter’s works, citations and clichés of fishing parties with Riopelle, Cosgrove and many others. The work is signed Christine Gilliet who, with minutia and sensitivity, has been able to bring to term this project after gathering, for three years, the souvenirs and words of René Gagnon. To purchase this book, contact the artist by email at info@renegagnon.com or via Galerie 203: 514 439 4203 or 514 261 0899.
Michel Bois
© Michel Bois – Magazin’Art 2015
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Devant moi, l’homme se tient droit comme un chêne. Les mains sont immenses. La chevelure hirsute à la Albert Einstein. Un regard profond où l’on débusque les joies les plus grandes et les affres de l’expérience humaine. René Gagnon négocie depuis 86 ans avec les aléas de la vie, dont 67 ans avec les démons de la création.
Sur la table du resto, les photographies contenues dans son livre défilent. Ici, à la pêche avec Riopelle, Paul Rebeyrolle et Stanley Cosgrove. Une autre avec Alfred Pellan, lors d’une exposition à Paris. Merci à la vie d’avoir mis sur ma route la création de René Gagnon ! S’agit-il du secret le mieux gardé de l’histoire de l’art du Québec !
Marc-Aurèle Fortin, Rousseau, Ayotte et autres
Tout en procédant d’un hasard merveilleux, la venue à la création de René Gagnon fut toute simple. Voué sans conviction à prendre la relève sur la ferme natale, au village de Sainte-Anne de Chicoutimi, voici que son oncle, René Bergeron, agent influent du milieu des arts visuels, invite les artistes qu’il représente à peindre le grandiose du Saguenay et de la Côte-Nord. Les Marc-Aurèle Fortin, Cosgrove, Albert Rousseau, René Richard, Rodolphe Duguay, Léo Ayotte, furent les premiers peintres rencontrés par Gagnon à l’Anse-à- Benjamin, près de son village.
« J’adorais les voir capter la lumière, chacun à sa manière, souvent tirée du même paysage mais toujours avec une atmosphère et quelque chose de très personnel. Autour du repas du soir, ils s’autocritiquaient. On y parlait aussi beaucoup de l’avant-garde abstraite de Borduas et de la figuration surréaliste de Pellan. Moi, je me faisais tout petit. J’écoutais. Marc-Aurèle Fortin, il était mon préféré entre tous. La féerie dans le feuillage des arbres, les harmonies lumineuses provenant des supports peints en gris ou en noir ; j’adorais la liberté qu’il prenait à transformer les éléments du paysage pour les rendre encore plus expressifs. »
Peindre le pays
« J’aime ce pays, j’en suis plein et ce qui déborde de ce trop plein, c’est ma peinture, mon expression. »
Son père étant persuadé que son fils allait reprendre les rênes de la ferme, la nuit, René Gagnon peint. Acculé à l’évidence, son paternel, résigné, lui offre un coffret de peinture. Dans l’enthousiasme de peindre, sa vie amoureuse turlute ! René se marie et devient rapidement à son tour père de cinq enfants. Pour subvenir aux besoins de sa famille, il travaille chez Alcan, une entreprise de production d’aluminium à Chicoutimi. Sauf que le désir de peindre à temps plein le ronge toujours. Entre-temps, il dut s’éloigner du clan familial pour dénicher des acheteurs et des collectionneurs à travers le Québec. « Puis je suis parti en aventurier à New York. Des galeristes m’ont propulsé dans le monde de l’art et des célébrités. J’aurais pu y faire carrière et connaître la fortune. Mais je suis revenu au Québec pour mes enfants, même si j’y menais une vie cinq étoiles, sans une cenne en poche. »
Vint par la suite l’aventure d’une galerie à Montréal, puis les voyages à travers le monde. De fait, Gagnon peut se glorifier d’avoir fait connaître l’immensité de nos espaces et la beauté indicible des paysages québécois lors d’expositions présentées aux États-Unis, en France, aux Bahamas, au Maroc, aux Philippines, en Chine, à Taiwan et en Malaisie, avec un succès dépassant la commune mesure.
Son art et retour à l’Anse-de-Roche
Parlons d’une peinture issue de l’incessante recherche permettant d’établir une communauté d’esprit avec les peintres qui se livrent avec enthousiasme à l’abstraction gestuelle et lyrique. Ajoutons cependant qu’à l’étalement instinctif des couleurs à la spatule, on sent chez Gagnon un principe d’organisation liant les masses et les saillies, le ciel et la terre, donc. Or, s’il recourt à l’usage du pinceau de soie pour rehausser l’effet heureux des glacis, devant ses toiles, l’on songe à un monde en mouvance constante et dans lequel des cascades d’eau traceraient sur la terre, dans le froid et la lumière, les sillons de clarté d’un exceptionnel visionnaire. Vivant au jour le jour, après une période de maladie, René Gagnon est de retour en son domaine de L’Anse-De-Roche. Les projets pullulent, dont une toile de dimensions monumentales. Va sans dire que l’artiste peintre et son épouse, Claire-Hélène Hovington, seront ravis de vous recevoir, sous invitation seulement, au Musée René Gagnon. info@renegagnon.com
De rêve et de paysages
Soulignons la sortie de la biographie complète du peintre sous le titre De rêve et de paysages. Il s’agit d’un formidable ouvrage de 200 pages offrant généreusement 48 photographies des œuvres du peintre, des citations et des clichés de parties de pêche en compagnie des Riopelle, Cosgrove et bien d’autres. Le tout signé Christine Gilliet qui, avec minutie et sensibilité, a su mener à terme ce projet après trois années à recueillir les souvenirs et propos de René Gagnon. Pour acheter le livre, on contactera l’artiste par courriel à info@renegagnon.com ou via la Galerie 203 : 514 439-4203 ou au 514 261-0899
Michel Bois
© Michel Bois – Magazin’Art 20
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La peinture de l'apaisement
Sur les deux étages de la Galerie 203, l'amateur d'art a rendez-vous avec la paix. Car c'est cette sainte paix de l'artiste, seul face à la nature québécoise, qu'on discerne dans les toiles de René Gagnon. Une nature énergique, enflammée ou luisante - selon la saison - que le peintre interprète sans relâche. René Gagnon est un peintre de lumière, un maître du reflet et un chercheur coloriste. Quand on examine ses toiles des années 60, on constate qu'il est parvenu très tôt à doser ses élans pour exprimer, sur son support d'Isorel, un juste équilibre entre le vu et le senti. Très inspiré, son art s'épanche en douceur, transmettant un réalisme tempéré qui accorde une belle place aux nuances de la rêverie.
Les ciels s'accordent avec harmonie aux collines et aux arbres. La variation des couleurs, l'arrondi des paysages saguenéens ou nord-côtiers, la présence du fleuve ou des lacs, comme dans Fin d'automne, donnent un ensemble bucolique à l'aspect imperturbable, inoffensif et tranquille.
Ses aplats sont dynamiques et sa façon de délimiter ses espaces crée des contrastes efficaces. Il a recommencé à peindre au pinceau cette année pour dessiner des épinettes, mais sinon, il crée ses oeuvres au couteau, car cet outil lui rappelle la main et lui permet de jouer presque charnellement avec la matière, un jeu qui est une véritable jouissance pour lui.
Sa méthode consiste à exercer des pressions à plat sur son panneau d'Isorel, ce qui lui permet de voir apparaître une grande diversité d'agencements de couleurs. Et il est vrai qu'à y regarder de plus près, on se questionne sur sa façon de créer ces assemblages colorés qui ne sont pas vraiment des mélanges, mais des associations de teintes savamment dosées.
« C'est la magie qui opère, dit-il simplement. Je tourne autour de mon tableau et je peins parfois à l'envers, ce qui donne des dessins parfois plus intéressants au niveau des structures. »
Une nature familière
Son Rêve de paysage (2014), avec cette grande épinette solitaire accrochée à un belvédère, est magnifique. Ce ciel déchiré a sûrement un cousinage romantique ! Le lieu rappelle une vue côtière, en quittant Baie-Saint-Paul pour La Malbaie. Fin d'automne est aussi riche d'évocation avec les coups de spatule dans les bleus comme le dernier rappel d'une saison qui a fui.
Les aurores boréales, non flamboyantes, sont évoquées avec réalisme et mesure dans sa toile Les lumières du Nord. Un contraste avec Les érables du Nord où le style a plus de fulgurance, avec des couleurs plus vives, auxquelles on ne s'attendrait pas chez René Gagnon, d'ailleurs. « C'est ça le miracle de la peinture », répond-il quand on lui fait part de notre surprise.
La toile No Title (L'épinette penchée) est une des plus belles expressions qui soit sur l'hiver. La neige est partout, mais les blancs ne sont pas blancs, ils sont « vrais ». Et ce ciel d'après tempête aux teintes violacées laisse le visiteur imaginer, en frissonnant, le froid et l'humidité qui régnaient ce jour-là. C'est un vrai bonheur de se propulser dans ce Nord et cette saison d'hiver à la fois si familière et si différente dans chaque toile.
Huiles marocaines
La Galerie 203 présente également quelques-unes de la dizaine de toiles que René Gagnon a réalisées lors de son séjour à Ouarzazate, dans le sud du Maroc, en 2004. Son style paysagiste et sa technique au couteau se prêtent bien aux reliefs du désert. Dans Maroc (2005), l'atmosphère est suggérée par des ocres bien choisies - qu'il avait calibrées après avoir ramassé des pierres dans le désert - et des verts qui rappellent que le paysage marocain est parsemé de jardins verdoyants et de montagnes.
Plaisir rare, au sous-sol de la galerie 203, on peut s'asseoir sur des chaises ou des divans pour s'évader dans les panoramas bigarrés et harmonieux du peintre. Des coffrets en cèdre présentent, chacun, un tableau original de René Gagnon accompagné de sa biographie, De rêve et de paysages, signée par l'auteure Christine Gilliet.
Et puis, la galeriste Corinne Asseraf a aligné sur un pan de mur des toiles aux ciels irradiés et aux surfaces de lacs toujours inanimées, comme si le vent se gardait bien d'en perturber l'aspect endormi.
Ces peintures de René Gagnon sont apaisantes. Elles dégagent cet instant de réflexion, de concentration, cette quête de composition qui se manifestent dans le silence de la nature ou de l'atelier. Elles dévoilent en tout cas un artiste dévoué à son pays de couleurs, d'odeurs, de vigueurs et d'harmonies.
La nature comme chemin de vie
Avec ses cheveux et ses sourcils en broussaille, ses grandes mains de trappeur et ce visage buriné du gars qui a pas mal vécu, René Gagnon a des airs de Léo Ferré. Fort en amitié, talentueux et travailleur, le peintre figuratif de L'Anse-de-Roche, au Saguenay, reste encore aujourd'hui un des grands interprètes de la nature du Québec.
Dans sa jeunesse, il a eu la chance de fréquenter les plus grands peintres de l'époque, notamment Ozias Leduc, Riopelle, Cosgrove, Pellan et Marc-Aurèle Fortin. Ce dernier a changé le cours de sa vie.
« C'est Marc-Aurèle, quand il venait peindre près de notre ferme, l'été, qui m'a le plus influencé, dit-il en entrevue à la Galerie 203. Par son intelligence, par sa façon de voir l'espace et les harmonies, par sa lumière. C'était un peintre de génie. Pour moi, c'est le plus grand. Pour une immense aquarelle, il demandait 2,50 $ à l'époque. Mon père n'avait pas d'argent pour l'acheter. C'est ce qui m'a donné le goût de peindre et de devenir un artiste. »
Les obligations familiales ont amené le jeune René Gagnon à travailler en usine, notamment chez Alcan, tout en poursuivant son apprentissage de la peinture. Finalement, après avoir décidé de se consacrer exclusivement à l'art, il a fini par trouver son style, une technique au couteau qui s'écartait de l'académisme d'alors.
Son oncle René Bergeron était marchand d'art. Le neveu aurait donc pu percer rapidement, mais cette parenté ne lui a pas facilité les choses. Au contraire. Du coup, avec sa démarche non conformiste et un ego « supérieur à la moyenne » qui l'a desservi, René Gagnon n'a pas obtenu, en début de carrière, la considération du milieu de l'art qu'il aurait pu espérer.
Finissant tout de même par nouer des contacts importants, il est parvenu à exposer avec succès à New York dans les années 60 puis à Paris dans les années 70. Mais, chaque fois, il est revenu à L'Anse-de-Roche, auprès de ses cinq enfants et de la forêt boréale. Pour retrouver ses excursions à pied ou à motoneige afin d'aller peindre en solitaire en pleine nature.
Environné de beauté
S'entourer de beauté a toujours été important pour René Gagnon. C'est une des raisons pour lesquelles il n'a jamais quitté sa région natale. « J'ai commencé à parcourir le Nord à pied et en canot et je me suis installé à L'Anse-de-Roche, que René Richard avait déjà découvert et où Marc-Aurèle a peint, dit-il. C'est quand même un des plus beaux espaces au monde, reconnu même par l'UNESCO ! »
Cette beauté sauvage transposée sur des panneaux d'Isorel, il a réussi à la transmettre à de nombreux amateurs d'art de sa région et à des collectionneurs du monde entier. Même le couturier Pierre Cardin y avait succombé. Le peintre figuratif est toutefois resté un peu en marge du marché de l'art contemporain, mais il est heureux d'avoir pu essaimer sa production un peu partout.
Quand on lui demande d'où est venue sa préférence pour la figuration, il répond : « J'ai une attirance pour tout ce qui est beau. Chacun a sa façon de voir le beau et chacun a sa façon de le travailler. Moi, j'essaie de me rapprocher le plus possible de René Gagnon. J'aime René Gagnon. »
Créer, toujours créer
Le fait de n'avoir appartenu à aucune école n'a pas empêché ce peintre autodidacte de se tailler une place honorable tout en conservant sa liberté et son indépendance si chéries. Dans les années 90, il a fait une tournée asiatique retentissante, exposant à Manille, Hong Kong, Taïwan et Kuala Lumpur. Il a séjourné plusieurs mois en Malaisie à l'invitation officielle du pays.
Aujourd'hui, à 87 ans, il a toujours le goût de créer. « Je n'ai jamais fait autre chose », dit-il. Quelques jours après notre rencontre, René Gagnon et sa conjointe, l'ex-députée libérale Claire-Hélène Hovington, partaient à Kuujjuaq. Pour rencontrer les gens, pour pêcher et dessiner les paysages traversés.
« J'aime bien pratiquer mon dessin pour l'importance des courbes et celle des lignes de fuite, dit-il. Le dessin nous conduit à ne pas trop nous répéter. Et puis, j'ai encore une forme physique pas trop mauvaise. Je tremble un peu, mais dès que je peins, j'arrête de trembler, car mon esprit est sur le sujet. C'est l'amour de la nature qui me maintient en vie. La nature me donne de l'énergie. J'ai été gâté par la vie. »
Éric Clément est journaliste à La Presse
© Éric Clément – La Presse 2015
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L'événement s'est produit lorsque Barack Obama s'apprêtait à visiter le Canada, au début de sa présidence. René Gagnon a décidé de lui offrir un tableau qu'il venait de terminer : Hiver sur la Côte-Nord. « J'ai dit : tiens, ça appartient au président américain. [...] C'est un monsieur qui m'impressionne beaucoup. »
Il a envoyé le tableau à Washington, sans réaliser qu'on ne fait pas entrer une grande boîte à la Maison-Blanche si facilement. « Les mois passent, les mois passent. Puis j'ai dit : ma toile a été volée. Ma toile ne s'est jamais rendue », raconte l'artiste.
Un jour, la galerie Beauchamp de Québec, où René Gagnon expose, a reçu un appel de la Maison-Blanche pour faire évaluer l'oeuvre en question. Le tableau fait désormais partie de la collection d'oeuvres d'art du président et du vice-président des États-Unis. « En fin de compte, il s'est bien rendu », lance le peintre.
Toujours actif
À 88 ans, René Gagnon peint toujours, chez lui dans le secteur de l'Anse-de-Roche, à Sacré-Coeur, où se rencontrent le Saint-Laurent et la rivière Saguenay. « Quand on arrive avec un sujet comme la Côte-Nord, un sujet qui n'a jamais été vu, ça attire l'attention », dit-il. « L'artiste a un privilège énorme de donner la vie à un sujet. »
Le peintre est encore inspiré par la beauté du paysage qui l'entoure. « C'est beau. C'est plein d'harmonie. C'est plein de couleurs. Ça me rend très émotif tout le temps. »
Marlène Joseph-Blais est journaliste à ICI Radio-Canada Côte-Nord
© Marlène Joseph-Blais – ICI Radio-Canada Côte-Nord
]]>Doué d’une grande sensibilité, émotif, sensible à la beauté de la nature et très sociable, il s’est fait de nombreux amis avec lesquels, il partage sa joie de vivre. Travailleur acharné et perfectionniste, il se plaît à dire : « Je ne suis pas en compétition avec personne d’autre que moi-même ; je me dois de me surpasser à chaque tableau ».
PEINTRE FIGURATIF
La peinture de Marcel Favreau n’est pas sans rappeler celle de peintres français de la fin du XIXe siècle. On y retrouve l’influence des « impressionnistes ».Ses artistes favoris sont : Corot, Monet, Sisley, Fantin Latour et chez nous Suzor-Côté, Cullen et Brymner. « Au fil du temps »,l’artiste affirme son grand amour de la nature à travers l’art paysager.
Il croit en l’inspiration divine et se dit : « l’homme le plus heureux du monde ».Il est normal que cela transparaisse dans son oeuvre. Il ajoute : « Ce que l’on voit, c’est moi, ma spiritualité, ma personnalité, ma joie de vivre. Je crois au figuratif tout en ayant beaucoup de respect pour les peintres abstraits qui ne recherchent pas la facilité, mais qui travaillent durement pour s’exprimer. Je suis convaincu que le style figuratif continue de plaire à une foule de gens dans le monde entier ». Il avoue que son choix était fait dès son adolescence. Pour lui, chaque toile est un défi à relever, une sorte de lutte, un combat à livrer d’où il doit sortir vainqueur.
TECHNIQUE
« Spécialiste des verts »,un grand nombre de peintres amateurs lui demandent : « Quels verts utilisez-vous? »Il répond : « Je n’ai aucun tube de vert dans ma palette, je les compose moi-même ».
Il débute son tableau en établissant les valeurs avec une seule couleur, d’ordinaire : terre d’ombre naturelle. Puis il prépare les couleurs qu’il utilisera en y ajoutant un médium qui accélère le séchage. Il prépare toujours plus de pâte qu’il en a besoin. Voici les couleurs de sa palette : Bleu cobalt, bleu outremer, bleu de Prusse, sienne brûlée, alizarine, ocre naturel, jaune de Naples et blanc de titane. Il préfère peindre sur une toile de lin avec des pinceaux ronds. Le facteur temps a peu d’importance pour lui, l’essentiel est qu’il soit satisfait de son travail.
Marcel Favreau a peint plus de 3000 tableaux, dont un grand nombre sur le motif en hiver comme en été. Son style et sa technique sont uniques, ses admirateurs l’appellent : « le peintre de la lumière ». Son choix de couleurs, en fait un maître dans l’art de peindre les arbres qu’il affectionne particulièrement. Il a peint de nombreux paysages en France sur le bord de la Seine, à Giverny, à Ville-d’Avray, en Bourgogne, en Ardèche, au bord de la Loire, le long de la Côte d’Azur, à Avallon, au Périgord, en Espagne, au Portugal, au Maroc, en Tunisie en Italie et en Sicile.
Propriétaire d’une galerie d’art pendant près de vingt-huit ans à Place Portobello à Brossard et deux ans aux Galeries St-Bruno à St-Bruno-de-Montarville. Il a enseigné la peinture à des centaines d’élèves dont plusieurs sont devenus aujourd’hui des artistes professionnels.
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Sur la notion de durée, par exemple, le voici qui examine l’un des paysages que les amateurs pourront découvrir ce soir et vendredi, de 17 h à 20 h, de même que samedi, entre 11 h et 15 h. « Le métier devient à maturité quand on exécute le même mouvement des centaines, des milliers de fois, a-t-il énoncé au cours d’une entrevue accordée au Quotidien. Il devient parfait comme la ligne de Picasso, celle de Dali ou celle de Jean Dallaire, qui était un génie du dessin. »
Son expérience est telle que même les imperfections causées par l’âge ou la maladie, une ligne trahissant un subtil tremblement de la main, par exemple, constituent un atout plutôt qu’une tare qu’il convient d’éliminer. « C’est le métier qui forme l’artiste. On peut tirer profit des accidents », fait observer René Gagnon en montrant un tronc d’arbre sur lequel courent des lignes très fines. « Ça fait de l’écorce », mentionne-t-il.
L’exposition a pour titre Les paysages et les personnes qui fréquentent son oeuvre reconnaîtront ceux du Bas-Saguenay, où le peintre réside depuis si longtemps. Les montagnes arrondies qui surplombent la rivière Saguenay à la hauteur de Sacré-Coeur, le cours d’eau jamais pareil, empreint de mystère, qui défile au pied de sa résidence, se prêtent à tous les sortilèges.
« Une grande toile, ce sont des harmonies qui cohabitent. Un ton en amène un autre », énonce le peintre originaire de Chicoutimi-Nord. Il demeure obsédé par la notion de transparence, notamment celle de l’eau, et révèle en souriant que de nombreuses oeuvres ont été créées à l’envers, en ce sens qu’il a peint le ciel en premier, au bas du chevalet, avant de retourner l’oeuvre afin de travailler sur le paysage proprement dit.
Sur un autre tableau, on ne voit ni montagnes, ni cours d’eau. Une masse blanche qui tourbillonne renvoie l’écho de ce qui se passe à l’extérieur de la salle d’exposition. « C’est une tempête d’hiver », confirme René Gagnon, qui affectionne les paysages ne laissant voir aucune trace de la présence des humains. Ni constructions, ni pollution. Juste la nature dans ses habits les plus somptueux, avec une touche de spiritualité inscrite en filigrane.
Pas étonnant que les collectionneurs asiatiques se montrent si sensibles au travail du Saguenéen. « Ils aiment la simplicité, le fait qu’il y ait peu de détails sur mes tableaux. C’est pur », analyse le principal intéressé. La demande demeure vigoureuse, en effet, y compris aux États-Unis et dans des régions aussi improbables que l’Islande, où une sérigraphie a été vendue récemment.
L’homme n’a jamais oublié son coin de pays, cependant, d’où le plaisir que lui procure la nouvelle exposition. « Les enfants ont décidé de me faire une fête », lance-t-il sur le même ton que l’amateur de hockey qui aurait reçu un billet dans les rouges pour voir le Canadien. Rencontrer les amateurs d’art de la région, leur parler de son travail, partager ses idées sur l’art et la vie : autant de façons de perpétuer le lien étroit, viscéral, qui l’unit à sa terre natale.
Daniel Côté est journaliste au journal Le Quotidien au Saguenay
© Daniel Côté – Le Quotidien 2017
]]>René Gagnon a reçu des prix de divers festivals. Il a exposé notamment aux États-Unis, en France, au Maroc et dans plusieurs pays d’Asie. Le peintre de 87 ans est né à Chicoutimi. Il habite aujourd’hui à L’Anse-de-Roche, un hameau situé à une vingtaine de kilomètres au nord-ouest de Tadoussac.
Sa carrière internationale commence véritablement en 1977. Ses toiles ne sont dans aucun musée, il n'a pas d'agent et aucune galerie ne le représente. Il rencontre alors Jacques Ourevitch, un journaliste qui connaît le Tout-Paris. René Gagnon expose dans le secteur des Champs-Élysées, à la prestigieuse galerie Bernheim, connue pour la promotion des peintres impressionnistes, dont peut se réclamer René Gagnon.
En Malaisie, un documentaire a été consacré à son aventure picturale dans le parc national de Taman Negra, au coeur de la jungle. Paniqué, il a failli arrêter de peindre. « Je ne comprenais pas ce pays de cascades de vert et de couleurs que je ne connaissais pas. Il est arrivé un oiseau très coloré. L'oiseau a passé la journée avec moi. Un miracle. Cela a été le déclencheur. J'ai repris plaisir à peindre. »
René Gagnon peint, à l'huile, la nature, la forêt, les paysages du Saguenay et de la Côte-Nord. Ses tableaux représentent le symbole de la région : l'épinette, le mélèze aux aiguilles fines et cônes dressés. On y trouve une lumière spéciale, un éclat presque tropical, où rivalisent le bleu, le blanc et le jaune.
Bleu, jaune, orange. Le balcon de sa maison reprend les couleurs de ses toiles. L'atelier-musée personnel de René Gagnon surplombe le fjord du Saguenay. Il est propriétaire d'un immense domaine, 700 acres de terre, près de 3 km carrés, et 14 km de chemin privé. La lumière de la marina de L'Anse-de-Roche, en bas de la propriété de René Gagnon, est comme une réplique de ses peintures. L'été dernier, c'est la propriétaire de ce bistro qui m'a parlé la première fois de René Gagnon. C'est aussi là que j'ai rencontré Christine Gilliet, l'auteure de la biographie du peintre, De rêve et de paysages. « C'est un amoureux de la liberté extravagant, mais toujours ancré dans la réalité du quotidien. Il n'a jamais perdu le contact avec la nature et le travail. Il a le goût du travail bien fait. Il a grandi sur une ferme. Ce n'est définitivement pas un homme ordinaire. » Christine Gilliet
Léo Kalinda est journaliste à l’émission Désautels le dimanche sur les ondes d’Ici Radio-Canada
© Léo Kalinda – ICI Radio-Canada 2015
]]>Pour l'heure, l'univers onirique de Hétu est assez envoûtant, donnant à voir un monde de l'étrange à lire comme des figures de rêve. Sa thématique plutôt restreinte se cantonne surtout dans des visages aux traits et aux volumes stylisés, souvent regroupés par deux, trois ou quatre : profils très droits, nez larges à l'arête et qui vont s'amincissent, bouches et oreilles minuscules. Les yeux sont des billes de verre transparent où luit souvent un point de lumière froide, qui regardent fixement, mais d'une façon généralement indifférente, absente. On devine parfois une lueur d'inquiétude, de nostalgie peut-être, à peine esquissée. De face ou de profil, ces têtes énigmatiques sont comme figées dans un formidable immobilisme qui trahit ici ou là la tension d'un drame tranquille, et occupent presque toujours tout le plan (rarement ces êtres sont-ils cadrés à mi-corps). Un certain maniérisme nous renvoie à Bronzino ou au Parmesan. Il arrive qu'une architecture — en volumes stylisés eux aussi — suggère quelque ville forte, des ramparts de théâtre. Le traitement des chevelures, des coiffures et des costumes semble relever d'un certain symbolisme.
La technique est extrêmement minutieuse et produit des tons aux dégradés infinis, veloutés. Jamais de couleurs violentes (sauf dans une toile d'avant la série actuelle, où apparaissent des rouges et des verts plus brillants) ; Richard Hétu travaille généralement dans des gris et des beiges rosés, des gris bleutés, diaphanes, avec quelques orangés éteints. La lumière est presque toujours neutre, indifférenciée. Les formats sont restreints (les quelques toiles les plus grandes ne dépassent pas 30 pouces sur 40).
Peinture extrêmement silencieuse, dans un temps suspendu, et qui engendre précisément le malaise qu'on peut éprouver devant la frontière de l'irréel. Ces figures expriment des fantasmes sages, mais en apparence seulement. Il se cache derrière ces regards innocents quelque chose d'indéfini et de glacé, comme la pureté enfantine sur un visage de dix ans.
Jean-Pierre Duquette
© Jean-Pierre Duquette - Vie des Arts, vol. 25, n°102, 1981, p. 65-75.
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En septembre 1951, Dallaire termine la plus grande œuvre de son corpus, soit la toile murale Québec sous le régime français. Il désire poursuivre son travail de muraliste malgré que les commandes dans ce domaine se fassent rares. Il reprend ses cours à l’École des beaux-arts de Québec mais un comportement déréglé mène à son congédiement au printemps de 1952. En août de la même année, il entre à l’Office national du film comme illustrateur de films fixes, à Ottawa d’abord, puis suite au déménagement de l’ONF, à Montréal. En parallèle, il continue sa production de chevalet et participe à plusieurs expositions. La critique d’alors souligne son « imagination fiévreuse ». Recevant un diagnostic inquiétant sur son état de santé, il quitte Montréal pour Vence en 1958, où il meurt en novembre 1965.
Deux fusains de 1951 mettent en exergue son immense talent de dessinateur. Ces deux dessins, presque classiques, traduisent dans leur mode d’expression des sentiments fort différents. Portrait de mon fils nous fait voir une scène de vie familiale par le regard bienveillant d’un père qui contemple avec tendresse son enfant endormi. Quelques traits et un peu d’ombre suffisent pour la ressemblance et pour induire l’ambiance de quiétude qui entoure la scène. Nu par contre semble un travail académique de dextérité qui cherche à reproduire sans sentimentalité extérieure l’apparence et la beauté d’un modèle blasé.
Puis une charmante gouache, aussi de 1951, présage le monde fantaisiste de son travail d’illustrateur à l’Office national du film. Trouvère, pantin sympathique vêtu d’un costume de la Commedia dell’arte, salue son public. Non sans rappeler Le Fifre de Manet dans sa mise en scène, le « coloré » personnage reçoit l’appréciation de sa performance d’un auditoire invisible. Nous pénétrons discrètement sur le plateau du théâtre imaginaire de Dallaire.
Ce théâtre imaginaire privilégie certains thèmes qui exposent non seulement sa poésie visuelle, mais formulent également ses expériences antécédentes et ses relations avec le monde qui l’entoure. Deux Annonciations rappellent sa formation chez deux grands maîtres en Europe. L’annonciation de 1952, témoigne des enseignements reçus aux ateliers d’Art sacré avec Maurice Denis. Nous observons dans la facture des personnages les grâces des peintres florentins et siennois, discipline acquise et mise en pratique par Maurice Denis suite à trois séjours en Italie. L’annonciation de 1954 d’autre part illustre les enseignements d’André Lhote et sa méthode de transcription géométrique des figures et des objets. Nous reconnaissons également dans les deux gouaches, une méthode de composition presque identique (chaque personnage occupant une moitié du tableau), influence qui relève de cet autre peintre théoricien Paul Sérusier, lequel influença les deux grands maîtres.
La relation de Dallaire avec ses contemporains est un autre thème difficile à prospecter, car les exemples sont nombreux et s’apparentent souvent à des expériences existentielles. Deux sujets semblent récurrents; la parade carnavalesque et la folie. Ces deux sujets se raccrochent à des titres d’œuvres signifiants qui n’émanent pas nécessairement de l’artiste lui-même, ce qui en permute l’entendement. On trouve également dans l’agencement des composantes des œuvres, l’insertion d’un objet qui porte en soi sa propre signification, clarifiant ou troublant ainsi l’interprétation.
Dans Bossue à l’ombrelle (1960-61), la difformité du personnage ne relève pas de l’infirmité suggérée dans le titre, mais de l’assemblage disparate de surfaces géométriques de teintes froides, originalement assemblées. Tête légèrement tournée vers la gauche et corps de face, l’expression sévère du visage contredit la signification du joyau (symbole de joie) qu’elle porte à son coup. S’abritant derrière une ombrelle qu’elle tient de ses deux mains, elle porte un chapeau cocasse, une sorte d’ombrelle inversée qui capte aussi la lumière et l’empêche de pénétrer sur la toile.
Femme au parapluie (1958) peinte deux ans auparavant, déborde au contraire de clarté malgré le parapluie mentionné dans le titre et le nuage noir qui flotte discrètement sur la ligne de faîte du tableau. La lumière est omniprésente sur le personnage et sur le décor qui l’enveloppe. Ici aussi la femme est difforme, mais d’une difformité stylisée d’entrelacs et de plans géométriques de couleurs chaudes, la distançant à peine des taches de blanc ou de bleu sur le fond. Tête de profil presque carrée, attachée à un cou démesuré, nez triangulaire énorme et regard terne, sa féminité passe par l’artifice d’une coiffure bien brossée retenue par une longue épingle à cheveux. Si les deux œuvres peuvent s’accoler dans un même thème et dans leur composition, leur signification réciproque se conjugue très différemment.
Un autre sujet de prédilection chez Dallaire est la « folie » presque toujours représentée par une marionnette échevelée vêtue d’un costume d’une époque antérieure. Chez Dallaire cependant, cette figuration par un personnage épouvantail signifie davantage la résistance aux écarts de conduite que l’illustration d’un dérèglement mental. La folle de 1952 est certes la plus connue des « Éloge de la folie » de Dallaire, mais elle est aussi celle qui s’interprète avec le moins d’« humanisme ». Tête haute, cheveux en bataille, regard foudroyant, bouche entrouverte, dents aiguisées, et surtout l’énorme couteau ancré sous la ceinture, donnent rapidement aux observateurs l’atmosphère des circonstances d’une dispute antécédente.
La pie mécanique (1963), s’insère aussi dans une idéologie de relations semblables, mais sous la gouverne d’une dominatrice moins autoritaire. À Vence Dallaire pensionne chez Madame Henriette Marty, une infirmière mère de trois fils, qui non seulement l’héberge, mais s’occupe de sa santé en lui prodiguant les soins qu’il nécessite. Rebelle à toute discipline, il résiste aux admonitions de cette bienveillante matrone. La pie peut répéter ses messages de prudence, l’interlocuteur demeure sourd. D’aucuns peuvent penser que cette symbolique est exagérée. Un second regard révèle pourtant d’intéressantes notions. En 1963 Dallaire, affaibli par la maladie, exprime le souhait de revenir habiter avec sa famille au Canada. Que signifient les éléments qu’il ajoute à sa toile ? La pie énonce son message sentant qu’elle est dans un équilibre précaire sur deux minuscules roues (deux foyers). De même dans le folklore occidental, les messages de la pie sont généralement porteurs de sombres augures (la santé du peintre). Derrière sa tête, le croissant de lune brille dans la lumière d’un ciel rouge de crépuscule. Sous la pie la progéniture fécondée. Devant deux œufs (les deux fils Dallaire), derrière trois (les fils de Mme Marty).
Poursuivant la parade carnavalesque, nous croisons en succession L’éveil des quatre saisons (1952), Le jeune poète (1957), La touriste anglaise (1961), et Personnage ludique (1961). Chacun de ces tableaux nous immerge dans une mise en scène dallairienne qui rattache autour d’un acteur solitaire, maquillage insolite, coiffures excentriques, costumes fantaisistes, accessoires hétéroclites, le tout dans un décor d’allure factice assorti. C’est le carnaval annuel de Vence. Dallaire nous convie à une pantomime de la condition humaine inspirée d’observations fortuites ou de sentiments éphémères.
Est-ce une parodie de sa propre condition lors de son séjour à l’ONF que Dallaire nous livre dans ce dernier tableau ? L’homme à l’oiseau (1955), prend les allures d’un double autoportrait illustrant son état et sa morosité. Dans un instant de repos, fumant une pipe brûlante, le peintre éloigne son regard d’une toile le caricaturant dans l’agitation de ses pensées. Le travail commandé d’illustrateur le tourmente et il rêve d’évasion. Il s’est reproduit protestant contre sa condition présente, yeux hagards, bouche ouverte, dents aiguisées, semblant adresser ses remontrances à son autre effigie qui l’ignore. L’oiseau fantaisiste focalise l’agitation de ses espoirs d’évasion vers d’autres lieux où il pourrait pratiquer son art de peintre sans les funestes contraintes du quotidien.
La gamme des œuvres de Dallaire est aussi riche que variée. Grandes ou petites, ses toiles ont un double mérite. D’abord la qualité expressive qui résulte sans doute d’une impulsivité profonde, et une construction réfléchie héritage des leçons de ses maîtres ou de ses apprentissages autodidactes. Dallaire sait composer d’admirables tableaux qui réjouissent le regard et racontent des histoires étonnantes.
Ingénieur et administrateur retraité, Serge Morin est détenteur d’un MBA et d’une Maîtrise en histoire de l’art de l’UQÀM. Il a rédigé une thèse de doctorat sur Dallaire.
© Serge Morin – Catalogue Jean Dallaire, Exposition rétrospective du 18 octobre au 8 novembre 2008 – Galerie Valentin, Montréal
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Peu de temps après, Jean-Pierre Valentin qui songeait à mettre à son programme de l’automne une exposition d’hommage à Dallaire, m’invita à participer à la rédaction du catalogue. Cette double proposition allait ranimer mes souvenirs.
En 1961, descendue à Cannes pour assister au Festival à titre de correspondante de l’Agence Presse Canadienne, j’avais profité de l’occasion pour aller interviewer l’artiste dans son atelier de Vence. L’article paru aussi bien dans Le Droit d’Ottawa, ville voisine de son Hull natal que dans La Presse et The Gazette, à Montréal où était son galeriste, intéressa semble-t-il, nombre de lecteurs.
Ces quelques moments d’intimité partagés avec Dallaire ne laissaient toutefois qu’une vision bien fragmentaire de son œuvre. D’autant plus qu’ayant évolué dans le sillage des Automatistes, je portais sur tout ce qui était figuratif, même utilisé ici comme prétexte, un jugement a priori devenu petit à petit et à mon insu un préjugé.
Depuis mon retour au pays en 1981, j’ai pu en reconstituer une vision un peu plus juste. Lors de mes visites chez les Bengle, les soirées avec Rolande, son épouse et mon amie, se déroulaient dans un salon où, à côté d’un Alleyn de la grande époque, les yeux se posaient automatiquement sur un Dallaire d’une finesse de trait rehaussée d’humour, amalgame porteur de sensations esthétiques imprévues. Il figure dans l’exposition présente sous le titre de Sans titre, 1962.
J’allais aussi en voir à l’occasion quelques-uns dans les galeries et les musées. Tout récemment encore, invitée chez un collectionneur de Québec, j’en découvrais un d’un style inattendu, où le sens de la ligne hérité du cubisme se conjuguait avec, fait inhabituel, un coup de pinceau chargé de matière qui rendait l’œuvre encore plus riche. Ces diverses pistes nourrissaient ma curiosité.
Il était un peu mythique, cet artiste canadien surpris à Paris par l’arrivée des Allemands en 1940 et interné pendant 4 ans parce que sujet britannique! Il avait d’ailleurs vite été repéré par le destin. Comment expliquer sinon que l’aîné des 11 enfants vivants, sur les 21 qu’eut un simple aide chauffeur de train à Ottawa, devienne peintre ?
Malgré des moyens réduits, voyant dès l’âge de dix ans ses dons pour le dessin, sa mère lui aménage un atelier dans le grenier de la maison familiale. À 14 ans, son professeur de dessin à l’école technique de Hull détecte chez le garçon une « patte » de peintre, et l’encourage dans cette voie. Trois ans plus tard, (bourse toujours plate mais milieu social élargi) il fréquente Le Caveau, un centre d’art fondé par les Dominicains, se lie avec Henri Masson qui l’amène peindre sur le motif, et commence à exposer dans tout lieu qui l’accueille : vitrine de commerçant ou boutique d’encadreur.
Dès lors, sa vie va prendre une double orientation. D’abord la partie chatoyante, celle de la création. Puis la partie maigre, celle où joindre les deux bouts s’avèrera un souci permanent.
Heureusement, très tôt, un de ses tableaux aperçu dans une vitrine à Ottawa va frapper le père Lévesque qui, pris d’intérêt pour le jeune rapin désargenté, lui trouvera plusieurs commandes dont, dans sa situation plus que précaire, il a grand besoin.
Puis, grâce à la générosité d’amis mieux nantis dont le propriétaire du café où tous se réunissent, il pourra aller suivre pendant trois mois les cours de la Grange Art School de Toronto, tout en collaborant aux activités éducatives de ce qui est aujourd’hui le Musée des beaux-arts de l’Ontario.
À quoi ressemble-t-il à cette époque ? « Le public a souvent une idée romantique de l’artiste. Il le voit comme un être en dehors des conventions et des lois, comme un individu marginal, fantaisiste et irréaliste, qui se moque de tout. Dallaire, tout jeune, correspondait en tout point à cette image », écrit Henri Masson. « Son studio est un amoncellement déréglé de toiles commencées, de peintures achevées, de fusains, de bronzes, de livres, de draperies de toutes couleurs, un vrai bazar oriental avec un parfait coloris exotique », note en 1934 Charles Magnan. Deux ans plus tard, Georges Carrière l’évoque en ces termes : « C’était un jeune homme de petite taille, de santé délicate, de tempérament nerveux avec une démarche vive, des traits distingués, le front haut, les yeux étonnamment vifs et intelligents… Il portait habituellement un feutre déformé qui faisait très souvent contraste avec le reste de sa tenue : c’était d’ailleurs dans le but de mieux s’identifier à la classe ouvrière avec laquelle il avait de profondes affinités… »
Une photo prise en 1937 – il a 21 ans – nous le montre fier et toisant le monde avec un brin d’insolence, qu’il glissera souvent dans ses tableaux.
Cette année-là, à la suggestion du père Lévesque, les Dominicains de Fall River, au Massachusetts, l’invitent à venir réaliser une murale chez eux. Il écrit à sa fiancée : « Au commencement, les pères n’aimaient pas mon modern style… Je leur ai dit que s’ils ne l’aimaient pas, je n’aurais qu’à prendre mon bagage et depuis ce temps, je suis porté comme un prince. Non seulement ça, mais ils me flattent pour continuer ». Bien qu’il ait besoin de ce travail, Dallaire n’en garde pas moins son quant-à-soi. Même il s’amuse : « Je suis allé tout à l’heure dans un Book Store me chercher de la lecture. J’ai acheté du George Sand et du Balzac. Et le Père Prieur me les repaya pour les déchirer. You know. Ils étaient à l’index ! »
En travailleur infatigable, le jeune homme dont les portraits ont vite révélé la touche personnelle, fait flèche de tout bois, mord à toutes les influences et arrive à les ingurgiter sans s’y perdre. Il faudra toujours envisager en ce qui le concerne l’idée d’un parcours original, car sa grande chance est d’échapper à tout classement. Il peint pour apprendre. Marginal peut-être mais d’une marginalité nourrissante qui sauve, il ne renoncera jamais à cette espèce d’incrédulité qu’on appelle l’humour. On songe à Paul Klee, auquel il ressemble par l’esprit et par la façon de dessiner, à main levée, ce que son imaginaire lui inspire.
Il est déjà partie prenante de la vie artistique avec derrière lui plusieurs œuvres, dont son Autoportrait devenu un classique, dans lequel il joue sur sa propre dualité en ne traçant qu’une moitié de son visage, et quelques incursions dans le fantastique quand, en 1938, une bourse va lui permettre de réaliser son vieux rêve : aller en Europe.
Ottawa-Paris, le grand saut.
À leur arrivée à Paris, Dallaire et sa jeune femme s’installent rue de Vaugirard. L’étudiant en médecine montréalais Paul Dumas, qui est leur voisin de palier, raconte : « Nous fûmes quelque temps intrigués par ce jeune homme frêle qui gravissait fréquemment l’escalier de l’immeuble, transportant à bout de bras une grande toile intacte… Travaillant sans relâche, mangeant peu et fumant beaucoup, rarement satisfait, il recommençait ou détruisait au fur et à mesure la plupart de ses travaux, grattant sa toile ou déchirant ses dessins ».
À la suggestion des Pères, Dallaire s’est inscrit d’abord à l’Atelier d’art Sacré. L’enseignement de Maurice Denis, important Nabi que la piété a édulcoré, et même celui du vigoureux Desvallières, ne vont l’y retenir que quelques semaines. Il préférera fréquenter l’Académie André Lhote, dirigée par ce peintre cubiste un peu sec mais bon théoricien. Cela n’est toutefois rien à côté du plaisir qu’il prend à se gaver de découvertes et impressions nouvelles dans les galeries d’avant-garde, particulièrement chez Christian Zervos où alternent Matisse, Léger, Chagall, Derain, Braque, et Picasso dont la dernière exposition l’éblouit.
« Depuis mon arrivée, je fais du cubisme», écrit-il à un ami, ajoutant qu’il ne faut pas avoir peur de l’influence car « tu peux en tirer d’innombrables progrès ». Après tout, Picasso n’a-t-il pas lui-même assimilé l’art nègre ? Portraitiste-né, Dallaire sait lui aussi faire des synthèses, et il aborde maintenant l’espace de façon plus complexe. Dans Profil chez Lhote, contrastes et nuances se fondent, apportant un élément charnel au côté abstrait du cubisme, dont les structures géométriques qu’il a appris à maîtriser enrichissent le tableau d’une dimension nouvelle. Quant à ses natures mortes, certaines plus composées, d’autres plus peintes, elles montrent qu’il a retenu de Matisse des leçons de sensualité. Puis, avec La moitié du monde rit de l’autre moitié, on retrouve l’humour mordant qui déjà lui est propre et se retrouvera jusqu’à la fin dans son œuvre.
Féconde mais brève aura été cette période de pleine effervescence. En octobre 1940, l’invasion allemande le surprend à Paris. Commenceront quatre années d’enfermement, particulièrement rudes pour ce nerveux de santé délicate, et en même temps années de décantation, où seront digérés les acquis du séjour parisien. Si bien qu’en arrivant pour enseigner à mi-temps à l’École des beaux-arts à Québec après son rapatriement en 1945, son univers pictural considérablement élargi et la manière souple dont il aborde des sujets souvent pleins d’ironie mis en scène avec un fond de cubisme, le situent tout à fait hors des courants.
« Dallaire était, dit Jean Letartre qui fut son élève, le seul auquel nous ayons montré le travail personnel que nous faisions en dehors de l’école – ce qui était strictement interdit… Je n’ai jamais connu quelqu’un qui avait un tel respect des êtres. Nous aurions volontiers donné notre chemise pour lui… Il était très jalousé par les autres professeurs, d’une part pour son indépendance et son esprit de recherche, de l’autre, à cause de l’amitié que ses élèves manifestaient à son égard. On lui causait aussi des ennuis parce qu’il buvait ». Pour cette habitude prise au camp de détention, « il fut renvoyé je ne sais combien de fois de l’école ».
En 1947, il en reçoit tout de même ses premières commandes de tableaux allégoriques, conçus dans un style « ornemaniste », lui reprochera le critique Guy Viau qui par ailleurs l’estimait, mais il tirera plus tard le meilleur parti de cette expérience.
À Montréal aura lieu la même année sa première exposition personnelle, organisée par Paul Dumas maintenant médecin. Bon connaisseur de l’œuvre, Dumas saura en souligner « l’accent personnel, empreint à la fois de gravité et de fantaisie », la technique « aux harmonies raffinées » et le sens profond où « l’homme, cet insecte évolué… est peint sans cruauté, avec une lucidité qui n’exclut ni la tendresse ni l’humour ».
À partir de 1948 un peu partout au Canada, et même dès 1945 à deux reprises à Paris, ses œuvres figureront dans les salons et expositions collectives de nombreux musées. Il représentera également son pays dans des manifestations prestigieuses dont la Biennale de Sao Paulo et le pavillon canadien à l’Expo de Bruxelles.
À Québec en 1949 et l’année suivante, Renée LeSieur, animatrice de l’Atelier, lui consacrera deux expositions solo.
Définitivement démis de ses fonctions à l’École des beaux-arts en 1952, le peintre qui a maintenant deux enfants - le premier venu au monde pendant sa captivité et le second né au pays, revient à Montréal où il entre à l’Office national du film comme dessinateur. L’à-plat des fresques hérité de Lurçat sera ici ragaillardi par le rythme des images, et la conjugaison des deux fera entre autres le succès de Cadet Rousselle, transposé sur vidéocassette par l’ONF.
En 1954, sa première apparition dans le réseau des galeries professionnelles, la galerie Dominion à Montréal, lui ouvrira le monde des critiques et des collectionneurs, qui ne vont pas le regretter. « Ses plus récentes toiles – qu’il dit brossées en quelques heures… nous montrent un style frais, où tout l’acquis semble transfiguré », écrit La Presse de cette exposition largement couverte par les journaux. À partir de ce moment, même s’il vit toujours un peu sur la corde raide, sa réputation va se répandre, et les critiques à la grandeur du pays tenir compte de ce délicat frondeur dont les œuvres résistent aux formules.
« Verve rosse et poétique », « sens de l’absurde qui reconstruit les êtres selon des rêves », « amalgame explosif », écrit l’un. « Esprit d’enfance, sens du merveilleux », note l’autre. « Dallaire takes a perverse delight in turning things upside down », renchérit un troisième.
C’est qu’à travers tout ce qu’il a ingurgité, Dallaire s’est formé des moyens d’expression d’où, par une mystérieuse chimie, sa voix particulière ressort. Avec la touche magique du poète, il dessine des scènes où évoluent des personnages entre cirque et caricature, dont il souligne à sa façon l’équilibre fragile.
L’Homme à l’oiseau, que l’on peut voir sur les cimaises, en est un superbe exemple. Sur un fond de couleurs tamisées digne de Vuillard se détache, portant sur la tête un oiseau à long bec avec aigrette, pattes et queue comme des fils tirés, un personnage à la peau exsangue, visage à demi découpé sur l’ombre, fumant une pipe d’où un filet de flamme s’échappe. Qui est-il ? Mystère. Que représente-t-il ? Un jeu, un cauchemar ?
En juillet 1958, un mois à peine après avoir quitté l’ONF, galeriste et mécène lui assurent un petit revenu qui lui permettra de vivre de nouveau en France. Ce snowbird avant la lettre écrit à un ami : « Je n’ai pas le moindre désir de retourner au Canada dans un pays aussi excessif, tour à tour trop chaud ou trop froid… ». Lasse peut-être de son naturel bohème, sa femme ne s’est pas laissée convaincre de le suivre. Il s’installe donc seul à Vence et séjourne l’été à Peone, dans l’arrière-pays niçois, travaillant beaucoup. Les Mages, la meilleure galerie de la Côte d’Azur que dirige Alphonse Chave va lui offrir deux expositions, la première en 1959, au vernissage de laquelle il rencontrera Dubuffet et le sculpteur Pevsner, et l’autre en 1960. Les efforts du directeur arriveront mal à trouver un écho auprès d’un public à la fois blasé et paresseux.
Chez Chave expose également Chagall, dont Dallaire envie un peu le succès. Mais le vieil artiste ukrainien a des appuis puissants et la tête plus froide.
C’est dans son atelier de la rue des Arcs à Vence que je le rencontre en 1961. J’avais soudain devant moi un être fragilisé pour qui, comme pour le poète, « l’âme du vin chantait dans les bouteilles ». Émue par son talent, sa voisine, une belle et solide Auvergnate, infirmière de métier, veillait sur lui du mieux qu’elle pouvait. Mais, relâchait-elle un instant sa vigilance, il filait entendre « la divine musique » au bistro !
Il continuait tout de même à peindre et se plaignait d’avoir à se départir de ses tableaux au fur et à mesure, devant les expédier à son galeriste qui les attendait. Il résidera à Vence jusqu’à sa mort, en novembre 1965. Au moins avait-il pu apprendre quelques mois plus tôt par la bouche de son directeur, Guy Robert, venu lui rendre visite, que le Musée d’art contemporain de Montréal travaillait à la préparation d’une Rétrospective de son œuvre.
Il n’aura pas fait son chemin avec bruit, comme Borduas et Pellan, tous deux chefs de clan. Il poursuivait son évolution dans la solitude, se conduisant plutôt comme un chef d’orchestre qui ayant appris à jouer de tous les instruments : fauvisme, surréalisme, cubisme et même abstraction pure, savait en intégrer le son particulier dans un vaste projet d’ensemble.
L’hommage qui lui est rendu aujourd’hui permet d’en savourer de nouveau les plus singuliers aspects.
Paquerette Villeneuve est l’auteure de RETOUR, Journal d’émotions, tomes I et II, et de Carnets de vagabondage, chez Leméac éditeur. Collabore à la rédaction de catalogues d’expositions et à des revues d’arts visuels.
© Paquerette Villeneuve – Catalogue Jean Dallaire, Exposition rétrospective du 18 octobre au 8 novembre 2008 – Galerie Valentin, Montréal
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Dallaire s’était installé à deux pas de cette grande place dans un modeste atelier du 1, rue des Arcs. Souvent au petit matin, cet insomniaque arpentait la place comme un halluciné. Images à la Modigliani ? Légende d’un destin consumé dans la fièvre de l’alcool? Derrière le paravent de « l’artiste maudit » se cache en fait le dernier chapitre d’une œuvre trop mal connue.
Quittant Montréal pour s’établir à Vence en 1958, Dallaire s’y éteint en 1965. Miné par l’alcool, condamné à Montréal par les médecins qui ne lui accordent que six mois à vivre, il tiendra sept ans tandis que, troublante, sa peinture oscille entre la sérénité et l’angoisse.
Au contact de la lumière du sud, sa peinture va changer. Elle s’épure. La physionomie de la ville et la géographie de cette région imprègnent les sujets. Féériques, parfois étranges ou empreintes de vertige, de nouvelles figures y flottent quelque part entre le rêve gracieux et le cauchemar sournois.
Retournant en France, Dallaire réalise ainsi enfin le rêve de sa vie. Mais ce rêve qui date de loin a comme prix l’éloignement d’avec sa famille. Choisissant de finir ses jours à Vence, Dallaire tente ainsi de surmonter et d’oublier son internement au stalag de Saint-Denis près de Paris où il a été détenu durant la guerre tandis que l’occupation allemande empêche ce «boursier d’Europe», venu une première fois à Paris en 1938, de parfaire sa formation et de faire carrière comme il le souhaitait en France. Mais le Paris de 1958 n’a plus grand-chose à voir avec la ville qu’il a connue dans sa jeunesse. Dallaire atterrit à Vence un peu par hasard.
Est-il sensible aux souvenirs de Soutine qui transcrit, convulsionnaire, le grand chêne de la placette devant le château? À Vence vécurent Picasso, Chagall, Dufy, Jean Dubuffet. Matisse y laissa une éblouissante chapelle. Les écrivains D.H Lawrence, Gertrude Stein, Witold Gombrowicz et combien d’autres déambulèrent le long des fontaines de la vieille ville. Non seulement Dallaire trouve-t-il ici un milieu artistique, mais cet homme blessé par la vie y puise un nouveau réconfort. Madame Marty, une infirmière mère de trois enfants, l’adopte. Elle lui prodiguera tant de soins bienfaisants que sa santé se maintient. Madame Marty lui donne des médicaments. Elle lui fait des piqures. Elle le surveille pour ne pas qu’il boive trop. Cette rencontre prolonge ainsi sa vie de six ans. L’été, elle l’amène avec sa famille à Péone, un village de montagne.
Grimpé à une centaine de kilomètres de Vence, Péone semble sculpté dans la muraille dolomitique de la montagne. Cette sauvage et grandiose beauté est loin d’avoir aveuglé l’artiste. Les tons rougeoyants du roc et l’élan cathédralesque de ses aiguilles se retrouvent comme en filigrane dans certaines toiles.
À Vence, Dallaire rencontre Alphonse Chaves directeur de la galerie Les Mages qui a exposé Dubuffet, accueilli Prévert et tant d’autres. Antre des surréalistes, ce foyer vivant s’ouvre à Dallaire pour une exposition solo en 1960 et quelques expositions de groupe. Dallaire se lie alors avec le peintre et le poète Georges Ribemont-Dessaignes qui vivait non loin sur la montée Saint-Jeannet. D’abord cubiste et membre de la Section d’or, ce dernier s’était engagé dans l’aventure du mouvement dada.
Dans sa peinture qui éclate de joie et d’exubérance, Dallaire manifeste une nouvelle vitalité malgré sa santé chancelante. En 1960, il participe également chez Alphonse Chaves à une exposition intitulée Un petit Bal de tête aux côtés de Dubuffet, de César, de Pevsner, de Giacometti, d’Henri Laurens et d’Asger Jorn. Le thème de l’exposition s’inspire alors des artisans carnavaliers de Nice qui se produisent lors du célèbre défilé du Mardi-Gras. Il n’est pas si éloigné de l’art brut prôné par Dubuffet. À cette collection faunesque de portraits qu’est l’expo, on pourrait associer la célèbre Bossue à l’ombrelle qui reprend en « version Dallaire » la vision d’une touriste anglaise. Coiffés d’étranges chapeaux chinois, les martiens qui peuplent certaines de ses toiles alors font référence aux « Champs des Idoles». Situé sur les hauteurs de Vence, ce plateau rocheux rassemble d’immenses reliefs aux formes insolites. Les Vençois en ont bâti une légende apparentant le lieu à un terrain d’atterrissage pour soucoupe volante. Dallaire se saisit de ces extraterrestres de fable. Il les fait circuler dans ses toiles au cœur du labyrinthe des rues du vieux Vence. Son côté ludique se développe. Plus que jamais il est proche de la fête, du cirque, de tout ce qui joue, jongle et bouge. Plus que jamais aussi à Vence ses œuvres rejoignent l’univers de l’enfance et la spontanéité. La peinture de Dallaire y devient une sorte de passage au rêve.
Bien qu’il continue de s’adonner, surtout au début de son séjour et en petit format, à ses études de paysages ou de bouquets, de même qu’à ses natures mortes plus figuratives et proches de l’esprit hédoniste de la peinture française des années 30 qui l’avait frappé, ses peintures manifestent alors un état d’innocence poignante. Et comme l’observent les critiques montréalais de l’époque, lors d’une exposition remarquée à la galerie Dresdenere en 1962, leur traitement pictural est somptueux. Ses funambules, écrit-on, voltigent dans des atmosphères subtilement colorées. Les sujets évoluent sur des fonds de même valeur que les personnages. Les tons chatoyants prennent des reliefs de pastels. Bleu, mauve apparence de vert, de vert rosé, les nuances sont changeantes. Les rythmes frémissants.
Petit à petit toutefois ses toiles arrivent de moins en moins à dissimuler, sur un mode gracieux, le trouble qui les transporte. L’onirisme va y côtoyer l’hallucination. Parfois un monde sous-marin se fait le théâtre de fantasmes inquiétants. Occupant le tableau, des animaux décharnés y errent. À l’enchantement s’opposent des visions intérieures tourmentées, l’hybride, le monstrueux. En un lent retour de carnaval, ses images vont à partir de 1962 se simplifier. Son œuvre se dépouille. Elle se cerne. 1964. Sa peinture s’enferme autour de ses inquiétudes. Il est de plus en plus malade. Anges, oiseaux et créatures aériennes, chiens errants, bestiaire en tout genre traversent alors ses toiles. Dans La Baudruche, Dallaire se caricature lui-même avec un humour grinçant. La boucle est bouclée. Le passé se colle au présent. Les toutes dernières peintures peuvent être interprétées comme une méditation sur la fugacité et la fragilité. Pont, charrette, faucheuse agraire… des thèmes se font prémonitoires. Le Messager (1965) est son dernier tableau. La toile est signée quelques heures avant qu’il ne s’éteigne. Cet oiseau avant-coureur pourrait se lire comme un autoportrait. Au moment de s’envoler l’oiseau est englué par ses cauchemars intimes, un fardeau secret. Les clochers et les petites maisons y évoquent tout autant les toits de Vence ou de Hull où il est né. L’oiseau s’arrache à ces villes, observant naissance et mort en un même survol.
Critique d’art, René Viau a collaboré à de nombreuses publications tant au Québec qu’en France. Il a fait paraître à Montréal aux éditions Leméac en 2001 une biographie de Jean Dallaire intitulée Le Cyclope et l’Oiseau.
© René Viau – Catalogue Jean Dallaire, Exposition rétrospective du 18 octobre au 8 novembre 2008 – Galerie Valentin, Montréal
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His stay in Paris, a de rigueur visit for most Quebec artists, was marked by encounters with the art of Picasso and the surrealists but ended with an arrest by the Gestapo in 1940. Dallaire spent the next four years in a detention camp. He continued to draw, he even learned Italian. Back in Canada he was drawn to teaching, and spent many years illustrating educational films for the National Film Board.
Dallaire was essentially impervious to trends and critique, gently charting his own unique path, and the last word on his art has yet to be spoken.
His work has gone through many changes, as the 20th century took shape. Realistic portraits mark the early years, followed by experiments in cubism and surrealism, but always filtered, altered by Dallaire`s peculiar way of seeing the world.
A sense of the theatrical, an atmosphere of a carnival, permeate most of his works, an inescapable, tickling presence of another reality.
“One could say that I do not take life seriously. I always had a fondness for birds, little flags and the texture of fabrics. Perhaps it is a bit decorative, but so what,” Dallaire is quoted as saying in 1957.
This unpretentious self-analysis defies the plastic genius of his work, the attention to quality and draughtsmanship, the boldly subtle choice of colours and the magical way in which they fill every inch of the canvas.
Echoes of surrealism can be found in his floating compositions, the unusual pairing of figures, at once realistic and theatrical. But unlike de Chirico’s metaphysical stillness or Dali’s fantastical creations, Dallaire’s works accentuate the pictorial rather than the intellectual. Like the Surrealists, he is in search of virgin territories, but his flights of fancy are disarmingly human, almost childlike.
In L' Annonciation, one of several works on a sacred theme, the figures of Virgin Mary and the Archangel are composed of geometric patches of colour, floating against a grid, like trapeze artists above a safety net. The angel’s wings resemble peacock feathers, the faces are featureless, and the tiny blue cat at their feet adds a sense of domesticity to the composition.
Dallaire, although aware of the major currents in art, was staunchly original, creating his own fantasy-based universe, unapologetic about his fascination with theatre in all its forms, from drama to puppetry.
His cubist period produced magnificent still lifes, incorporating his beloved birds in one monochromatic composition with echoes of Braque, or focusing on a pair of fruit rendered in bold colour and rich texture.
Eclectic, quietly emotional, Dallaire was a lonely pilgrim in a world exploding with new ideas and visual experimentation. His work, in my opinion, is closest to that of Spanish artist Joan Miró (1893-1983), whose whimsical paintings were unlike anything contemporary art of the day had seen.
Beyond the stylistic similarities, the two diverse artists shared a common reaction to the turmoil of war and its aftermath. While in hiding, Miró renounces oil painting in favour of gouaches and watercolours, filling his canvases with images of birds, the harmony of the female body, stars… It was his way of escaping the horror around him, an artist’s only way of escape…
Could it be that Dallaire, too, sought to forget the hardship he experienced in the simple joy of painting his beloved birds, in losing himself in playful portraits composed of dappled patches of colour, faces staring at the viewer with childlike surprise, all adorned with fancy hats and tiny umbrellas.
Just take a look at Bossue à l’ombrelle, with her clown face and upside down hat that looks more like a chandelier. It could be a puppet plunked unceremoniously on a wide chair, sitting a little askew, tittering… The image is taken in quickly, there is very little of the narrative, what is captivating is the way it is painted; the monochromatic blue that permeates this work, set against a dark torso, creates that familiar shimmering effect of dancing patches somehow forming shapes. Dallaire had a magical way of applying paint. His oils look like gouaches, the texture of the board, or canvas, visible under the fine layers of paint.
As simple as the image may appear, it is in fact a symphony of colour and gesture, a painterly tableau in the guise of fairytale.
Miró put it plainly : “One should be able to discover new things every time one looks at a painting.” Each glance at Dallaire work reveals something new.
Patati-Patata, for example, may require a more prolonged study, replete as it is with rich imagery and an abundance of detail. Resembling a collage, it features two whimsical figures, accompanied by birds, little flags, leaves… Playing cards are scattered at their feet, and the shadow behind one of the figures seems to have a life of its own. Floating ribbons, esoteric patters, make this work a kind of tapestry, and echoes Matisse’s colourful cutouts.
But while the rest of the world was gasping at the avant-garde works of Rothko, Pollock and Bacon, Dallaire continued on his own path, securely ensconced in his magical universe, painting himself as one of his whimsical characters in L’homme à l’oiseau, a seminal work incorporating all the unique touches that mark his oeuvre. Painted in bold green and red, bright yet delicately subdued, as are all his works, it’s a wonderful portrait of a man smoking a tiny red pipe, a small flame rising from it. A fantastical bird perches on his head, its long feet gently clinging to his baldpate. A bizarre face peers from behind his shoulder rending the scene surreal. But beyond the magnificent combination of pure colour, lies the geometry of the background, painted in Dallaire’s signature dappled style, tones melding into each other, sprinkled with light.
This very personal manner of constructing his own pictorial universe sets Dallaire apart from other contemporary artists of his day. The expressive expansiveness of his imagery is unlike any other, and although it reflects numerous influences, it remains unique, and highly mastered.
Dorota Kozinska is a writer and art critic
© Dorota Kozinska – Jean Dallaire, Retrospective Exhibition’s Catalog from October 18 to Novembre, 2008 – Galerie Valentin, Montreal
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